CHORÉGRAPHIE, RYTHME ET MOTIFS

 Le rythme c’est la pulsation des couleurs, des formes ou de la matière qui font surface temporelle dans l’espace du visible. Il peut être lent, vif, irrégulier, homogène, hétérogène et fonde la légitimité étymologiquement topologique des images. Le rythme dévoile la structure sous-jacente, il est cette structure ontologique des images. Pourtant il peut ne pas être.

Mais il paraît étrange de n’avoir point trouvé de terminologie propre aux arts plastiques pour définir cette poétique de l’espace mais seulement un mot emprunté à la musique. Voudrait-on parler de « spacialité » plastique ? Fondons ce terme dont nous pourrons donner la définition suivante: la spacialité serait la capacité d’une oeuvre à composer un espace distancié (qui crée une distance entre le sujet représenté en perspective et le plan du tableau) c’est à dire qu’elle désignerait certains éléments plastiques d’une composition picturale ou non qui sembleraient marquer et répartir l’espace de cette oeuvre elle-même autrement que par la perspective euclidienne.

Le rythme est la caractéristique d’un phénomène périodique induite par la perception d’une structure dans sa répétition. Le rythme n’est pas le signal lui-même, ni même sa répétition, mais la notion de forme ou de « mouvement » que produit la répétition sur la perception et l’entendement.

« Le silence, ce rythme d’éternité que prend parfois le moment présent. » Gilles Raymond




" La danse superpose deux espèces de mouvements: le changement de lieu qui spatialise le mouvement, mais aussi le rend extérieur à lui-même, et le mouvement intérieur, inducteur de l'espace poétique."

"La composition chorégraphique a souvent recours à des partitions, autant de représentations graphiques de la danse. La partition peut se présenter sous forme de notation, dessin, photos, traductions numériques…
Cette quête de nouveaux supports renvoie à la notion de traduction soit le déplacement
d’un médium à un autre mais qui également génère de nouveaux espaces pour la création."

Les procédés chorégraphiques:
http://www.ac-grenoble.fr/ien.g2/IMG/pdf_05_Procedes_choregraphiques.pdf



ADVA ZAKAÏ

A la fois chorégraphe, performeuse et curatrice, Adva ZAKAÏ explore différents champs dans la performance. A travers une recherche sur le dialogue entre le corps et le langage, elle interroge les notions d’expérience et de performance dans le cadre d’expositions soumises à des modes participatifs et de dispositifs scéniques.
Son travail chorégraphique s'attache à explorer la façon dont le corps et le langage sont perçus l'un à travers l'autre, et évoque une expérience qui peut être appréhendée à travers une pluralité de perspectives.
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http://www.phakt.fr/wp-content/uploads/2015/09/Dossier-de-Presse-Adva-ZAKAI.LD_.pdf

SOLO SOLUTION/ ONCE IN A LOOP TIME

From a performance at the 'Clifford Irving Show', Paris 2009

(Based on "How to spell a piece" (made and performed with Shila Anaraki, 2008))

https://vimeo.com/35888774




N+N CORSINO

n + n Corsino ont réalisé deux créations sur les rapports de mouvement entre calligraphie et chorégraphie : Bangalore Fictions (Inde, 2013) et Signs (Chine, 2014).
C'est l’origine animale et végétale du tracé calligraphique comme stylisation des formes en mouvement qui les a intéressés : le geste fait signe.
La calligraphie coréenne déconstruit la chinoise au XVème siècle, se recompose en alphabet et sa graphie devient géométrique : elle connaît un développement qualifié de scientifique.
Dans Between the lines, une danse s'invente en langue et réciproquement.

Cette création associe des artistes coréens et français en résidence à SCENE44.

SIGNS 2014

"Signs, surfaces and the instant" est une navigation chorégraphique interactive créée par n + n Corsino en coproduction avec le musée Aurora.

A l'occasion du Festival annuel Croisements, organisé par l’Ambassade de France en Chine et des partenaires publics et privés chinois, le Musée Aurora présente la nouvelle création chorégraphique et nouveaux médias réalisée par n + n Corsino, intitulée Signs, Surfaces and the Instant (Signes, Surfaces et l’Instant).

Le spectacle incarne et exemplifie les possibilités offertes par la rencontre entre la création contemporaine et la collection muséale exceptionnelle d'antiquités chinoises.

ROBERT DELAUNAY 

HÉLICE ET RYTHME

Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne, 1937
L’aménagement intérieur du hall tronconique, conçu par Félix Aublet et Robert Delaunay
et réalisé par l’association Art et lumière

Dans une lettre à August Macke, en 1912, Delaunay explique l’importance que prend, pour lui, l’observation du réel : « Une chose indispensable pour moi, c’est l’observation directe, dans la nature, de son essence lumineuse. […] Mais où j’attache une grande importance, c’est à l’observation du mouvement des couleurs. C’est seulement ainsi que j’ai trouvé les lois des contrastes complémentaires et simultanés des couleurs qui nourrissent le rythme même de ma vision. »8 
Pour Delaunay, la seule réalité qui s’exprime dans la nature est la lumière. La lumière n’est pas à comprendre dans un sens mystique, ou ésotérique, forme de spiritualité partagée par de nombreux artistes au début du 20e siècle, mais de façon très concrète. Ses moyens plastiques sont une cristallisation de ses expériences et des théories scientifiques de l’époque sur la décomposition de la lumière – notamment du chimiste français Michel-Eugène Chevreul9 –, sur ses vibrations dans l’éther – il faudra attendre les théories d’Einstein pour que cette notion disparaisse –, chaque couleur ayant, par analogie avec le son, une durée de vibration.

DANIEL BUREN

Travail in situ 16 mai-30 novembre 2016 
Bortolami Gallery, M Building Miami États-Unis

T III 14 Peinture acrylique blanche sur tissu rayé blanc et orange 
Novembre 1967

Artiste français né en 1938 à Boulogne Billancourt, il vit et travaille à Paris et sur ses lieux d’intervention. Daniel Buren est cofondateur , en 1967 du groupe BMTP (Buren, Mosset, Parmentier, Toroni) qui produit des toiles aux motifs répétitifs afin d’atteindre le « degré zéro de la peinture » . Buren travaille ensuite sur des panneaux publicitaires, dans la rue, en marge des lieux consacrés à l’art. En 1965, inspiré par une toile de store rayée, il met au point son vocabulaire artistique : des bandes verticales alternées blanches et colorées de 8,7 cm de largeur, répétant ses rayures à l'infini et sur tous les supports. Il décline une infinité de possibilités à partir de ces bandes, puisque chaque installation s'exprime in situ, suivant le lieu où il est programmé et réalisé. Buren s'affranchit donc du cadre du tableau. Il procède toujours à une analyse du lieu dans lequel il place ses bandes, en révélant ces particularités les plus significatives et les moins visibles. L'œuvre révèle le lieu et ce lieu même la rend intransportable et donc éphémère. Au cours des années 1970, ses interventions « rayées » envahissent tous les supports : portes, escaliers, trains, voiles, gilets pour gardiens de musée, etc...

Les Écrits, 1967

Tract de Buren, Mosset, Parmentier et Toroni distribué comme invitation à leur manifestation le 3 janvier 1967 dans le cadre du "Salon de la Jeune Peinture", Musée d’art moderne de la Ville de Paris, Paris.
Tract, 1er janvier 1967 [Manifestation 1], repris in Buren, Daniel, Les Écrits, (1965-1990), tome I : 1965-1976, p. 21

Puisque peindre c'est...

Puisque peindre c’est un jeu.
Puisque peindre c’est accorder ou désaccorder des couleurs.
Puisque peindre c’est appliquer (consciemment ou non) des règles de composition.
Puisque peindre c’est valoriser le geste.
Puisque peindre c’est représenter l’extérieur (ou l’interpréter, ou se l’approprier, ou le contester, ou le présenter).
Puisque peindre c’est proposer un tremplin pour l’imagination.
Puisque peindre c’est illustrer l’intériorité.
Puisque peindre c’est une justification.
Puisque peindre sert à quelque chose.
Puisque peindre c’est peindre en fonction de l’esthétisme, des fleurs, des femmes, de l’érotisme, de l’environnement quotidien, de l’art, de dada, de la psychanalyse, de la guerre au Viet-Nam.

NOUS NE SOMMES PAS PEINTRES.

Constatez-le, le 3 janvier 1967, 11, avenue du Président Wilson.

Paris, le 1er janvier 1967
Buren, Mosset, Parmentier, Toroni

http://www.musee-lam.fr/wp-content/uploads/2010/12/Daniel-Buren.pdf

BERNARD PIFFARETTI 

"Sans titre", 1968. Peinture acrylo-vinylique sur toile métisse, 247 x 194,5 cm. © Adagp. Centre Georges Pompidou - Musée national d'Art moderne - Centre de Création contemporaine, Paris.

"Sans titre", 1998. Acrylique sur toile, 193 x 242 cm. © Adagp. Collection MAMAC de Strasbourg

Vue d'exposition Martin Barré/ Bernard Piffaretti Musée des beaux arts de Nantes 2015

http://www.bernardpiffaretti.com/assets/text_2007_apierre_l-instauration-du-tableau.pdf

Bernard Piffaretti, né en 1955 à Saint-Etienne, travaille la peinture selon un protocole établi à la fin des années 1970 et fixé définitivement en 1986. 

Il partage le tableau verticalement en deux parties ; puis il peint indifféremment sur la partie gauche ou sur la partie droite, qui lui sert de modèle pour produire de mémoire l'autre partie.Les motifs tant figuratifs qu'abstraits, très variés sans pour autant être originaux, n'expriment rien si ce n'est le protocole dont ils sont issus. L'oeuvre de Bernard Piffaretti "ne veut rien prouver, rien faire de plus, rien faire de mieux" sauf peut-être, désinvestir le tableau de tout contenu pour bien montrer que "la peinture ne représente jamais qu'elle-même".

ROTHKO PAR CAROLYN CARLSON

Rothko était un intellectuel très doué, un homme cultivé qui aimait la musique et la littérature et était intéressé par la philosophie, en particulier par les écrits de Nietzsche et la mythologie grecque. Influencé par l'œuvre d'Henri Matisse – à qui il a d'ailleurs consacré un hommage dans une de ses toiles – Rothko occupe une place singulière au sein de l'École de New York. Après avoir expérimenté l'expressionnisme abstrait (mouvement artistique dans lequel il côtoiera notamment Jackson Pollock et Adolph Gottlieb) et le surréalisme, il développe à la fin des années 1940 une nouvelle façon de peindre. En effet, hostile à l'expressionnisme de l'Action Painting, Mark Rothko (ainsi que Barnett Newman et Clyfford Still) invente une nouvelle façon, méditative, de peindre, que le critique Clement Greenberg définira comme le Colorfield Painting, littéralement « peinture en champs de couleur ».

Dans ses toiles, il s’exprime exclusivement par le moyen de la couleur qu’il pose sur la toile en aplats à bords indécis, en surfaces mouvantes, parfois monochromes et parfois composées de bandes diversement colorées. Il atteint ainsi une dimension spirituelle particulièrement sensible.

Carolyn Carlson, née le 7 mars 1943 à Oakland en Californie, danseuse, chorégraphe, ainsi que poétesse et calligrapheaméricaine. Grande figure de la Nouvelle danse français

Carolyn  Carlson a créé plus d’une centaine de pièces, dont un grand nombre constituent des pages majeures de l’histoire de la danse, de Density 21,5 à The Year of the horse, de Blue Lady à Steppe, de Maa à Signes, de Writings on water à Inanna. En 2006, son œuvre a été couronnée par le premier Lion d’Or jamais attribué à un chorégraphe par la Biennale de Venise.

En 1999, Carolyn Carlson fonde l’Atelier de Paris sur le site de la Cartoucherie. De 2004 à 2013, elle dirige le Centre Chorégraphique National de Roubaix Nord-Pas de Calais.

En janvier 2014, Carolyn installe sa compagnie, la Carolyn Carlson Company, à Paris. En résidence au Théâtre National de Chaillot jusqu’en 2016, elle produit et diffuse ses spectacles à travers le monde.

                                          "numéro 21 rouge, marron, noir et orange"

                                                  Rothko 

"Dialogue avec Rothko" par carolyn carlson en 2013

https://youtu.be/7oarJTATKXY

La première rencontre de Carolyn Carlson avec l’œuvre du peintre Mark Rothko a été un choc : une plongée dans la plénitude de l’instant présent. Une peinture qui vous enveloppe, et vous aspire vers l’infini de la méditation. Ses carrés de couleurs sont l’expression la plus intense d’une simplicité qui relie directement à l’essentiel. Aucune interprétation n’est nécessaire. 


" Rothko
Un homme impliqué, inspiré, en quête de...
trajets surréalistes entre les bords du cadre qui doivent l'exil
les huiles l'étourdissent
lunettes cerclées de noir il travaille dans la fumée
mène qui regarde à l'extase
synchronicité d'une affinité programmée" 

"dialogue with rothko page 9"

LA SOCIOLOGIE EST UN SPORT DE COMBAT

2001

France

2 h 30 min

Long métrage documentaire

Pierre Bourdieu, La sociologie est un sport de combat

Réalisé par Pierre Carles

Scénario

Pierre Carles

Montage

Virginie Charifi, Youssef Charifi, Claire Painchault, Bernard Sasia

Interprétation

Pierre Bourdieu

Production

CP productions, VF films

Sociologie - Pierre Bourdieu 

Il y a des témoins du monde, ceux qui disent tout haut ce qu’on pense plus bas, ni gourous, ni maîtres, mais qui considèrent que la cité, le monde, peuvent être pensés. Le sociologue Pierre Bourdieu était de ceux-là. Pendant trois ans, de 1998 à 2001, Pierre Carles a suivi Pierre Bourdieu au travail, attelé à son quotidien, sous toutes ces facettes. En s’immisçant dans son bureau, ses salles de cours au Collège de France, lors de manifestations de rues ou à un meeting alter-mondialiste, ce film révèle la pensée de Bourdieu en train de se dire en mouvement. Donnant à voir le combat généralement invisible que mène le sociologue contre l’ordre dominant. Et c’est une pensée qui se déploie comme familière, à côté de nous, et toujours abordable, celle d’un intellectuel qui choisit de penser son temps, prônant l’intelligence et l’analyse comme armes fatales. Une pensée que le réalisateur Pierre Carles (Pas Vu Pas Pris, Enfin Pris, Attention Danger Travail, Volem Rien Foutre al Pais), parvient à rendre lumineuse pour ce premier film sur l’auteur de La Misère du Monde et de la Noblesse d’Etat, l’un des plus grands penseurs de la fin du XXe siècle, disparu depuis.

ARTISTE COLLECTIONNEUR, COLLECTEUR

Une collection est à la fois un regroupement d'objets correspondant à un thème, et l'activité qui consiste à réunir, entretenir et gérer ce regroupement.

Il peut s'agir d'un loisir : la personne qui constitue et stocke la collection est alors un collectionneur. Ce peut aussi être une profession, celle de conservateur : conservateur de musée (collections d'œuvres d'art, d'objets rares ou anciens), conservateur de bibliothèque ou d'archive (fonds regroupant des documents).

Krzysztof Pomian, l'un des pionniers de la recherche sur l'histoire des collections, définit la collection comme « tout ensemble d’objets naturels ou artificiels, maintenus temporairement ou définitivement hors du circuit d’activités économiques, soumis à une protection spéciale dans un lieu clos aménagé à cet effet et exposé au regard ». Ces objets perdent de leur utilité ou de leur valeur d'échange pour devenir « sémiophores », porteurs de sens.

Les cabinets de curiosités désignent au XVI^e et XVII^e siècles des lieux dans lesquels on collectionne et présente une multitude d'objet rares ou étranges représentant les trois règnes: le monde animal, végétal et minéral, en plus de réalisations humaines.

Anonyme, Cabinet de curiosités (fin XVII^e siècle). Huile sur toile.

Avec le développement des explorations et la découverte de nouvelles terres au XVI^e siècle, plusieurs princes, savants et amateurs de cette époque se mettent à collectionner les curiosités en provenance des nouveaux mondes. On définit en général le cabinet de curiosités comme un microcosme ou résumé du monde où prennent place des objets de la terre, des mers et des airs (minéral, végétal et animal), à côté des productions de l'homme.





ANNETTE MESSAGER

(1970  "les pensionnaires", alignement de petits moineaux morts emmaillotés dans des gilets tricotés"

 " Mes voeux" 1989  photographies noir & blanc et ficelles

Annette Messager est née le 30 novembre 1943 à Berck-sur-Mer (Pas-de-Calais). Elle veut devenir artiste mais interrompt ses études aux Arts décoratifs de Paris et gagne sa vie en vendant à la sauvette des objets d’art artisanaux qu’elle confectionne elle-même. 

C’est aussi à cette époque qu’elle réunit ses premières collections : albums de photographies et une série d'articles extraits de la presse qu'elle transforme en manuscrits anciens. 

En 1971-1972, sa démarche originale lui vaut sa première exposition. Annette crée alors une œuvre en laine et l’intitule Les Pensionnaires. Qui sont donc ces Pensionnaires ? Vous allez vous étonner : ce sont de petits moineaux empaillés et emmaillotés dans des tricots. 

Premier succès l’inspire à se mettre à la création continue telle qu’elle la voit.

Ses travaux sont structurés par différents projets aux appellations ironiques. 

Le cycle « Annette Messager artiste » débute en 1971-1972 : il regroupe l'exposition des albums de croquis qui tiennent de l'enfance. Le cycle « Annette Messager collectionneuse » est présenté pour la première fois à Paris, en 1974. Cette collection de proverbes est une anthologie d'idées reçues sur la femme, brodées sur des mouchoirs. Il y a au total 56 albums regroupant des collections variées : annonces (Le Mariage de M^lle Annette Messager), coupures de presse (Les Hommes que j'aime/j'aime pas), photos (Les Enfants aux yeux rayés, Mes jalousies...), images de magazines (Les Tortures Volontaires), dictons (Ma collection de proverbes), signatures, adjectifs qualificatifs...

Jacques Villeglé

Jacques Villeglé a étudié la peinture et le dessin à l'école des Beaux-Arts de Rennes. Il y rencontre Raymond Hains. Il part étudier l'architecture à l'école des Beaux-Arts de Nantes.

En 1947, il commence à collectionner des débris et des fers tordus qu'il considère comme des sculptures. À partir de 1949, Jacques Villeglé s’intéresse et collectionne les affiches lacérées et annonce la disparition de l'artiste au profit du «collecteur», ou collectionneur. Tout comme Raymond Hains, il se veut simple collecteur de fragments qu'il ne fait que choisir et signer.

Jacques Villeglé rédige une mise au point sur les affiches lacérées. Intitulée «Des réalités collectives», elle est la préfiguration du manifeste du Nouveau Réalisme.

http://villegle.free.fr/les_affiches_demarche.swf

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Njj3QbLNEwg

Jacques Villeglé a récolté près de 3500 affiches ornant les murs de Paris, de la rue de la Baleine blanche, à la Poterne des Peupliers, en passant par la rue Bourgeois et Clignancourt. La première trouvaille, dénichée en 1949 avec son complice Raymond Hains, précurseur et membre fondateur tout comme lui du Nouveau Réalisme,s'intitule Ach Alma Manetro. Mais c'est seulement dix ans plus tard que Jacques Villeglé invente l'entité du "lacéré anonyme", le véritable acte artistique, tandis qu'il se définit comme un simple collecteur : "Être le témoin actif d'une humanité riche en contradictions est une de mes ambitions. C'est l'anonyme de la rue qui intervient sur les reflets de la culture dominante… Je passe après." Après ou en retrait, comme sa signature apposée au bas des affiches, discrète et tracée à la pointe du stylo.

"Jacques Villeglé est de ceux pour qui le monde de la rue est un tableau permanent" déclarait Pierre Restany, l'un des piliers du Nouveau réalisme. Et de fait, l'artiste s'est passionné pour le geste impulsif et destructeur du lacérateur anonyme, celui qui crée une entaille symbolique dans le système qui l'étouffe. Brèche par brèche, le saccage ouvre la voie à la respiration haletante de la liberté partiellement reconquise.

"La lacération représente pour moi ce geste primaire, c'est une guérilla des images et des signes. D'un geste rageur, le passant anonyme détourne le message et ouvre un nouvel espace de liberté. Pour moi les affiches lacérées rapprochaient l'art de la vie et annonçaient la fin de la peinture de transposition" expliquait le plasticien, historien d'une génération d'artistes qui revendiquaient plus de liberté dans l'art.

Arman

Né à Nice en 1928, Arman vivait et travaillait à Vence et àNew-York. Il Est présent dans les collections des plus grands Musées d'art contemporain mondiaux. Il A installé plus de 100 monuments publics à travers le monde.

Arman s'est intéressé au statut de l'objet et au rapport que les sociétés modernes entretiennent avec celui-ci, entre sacralisation et surconsommation-destruction.

En 1955, la Galerie du Haut-Pavé organise sa première exposition personnelle à Paris.

Ses premiers « Cachets » (traces d'objets encrés ou peints) à Paris datent de 1956.

En 1959, il commence la réalisation de la série des « Poubelles » : il expose des ordures ménagères, des détritus trouvés dans la rue et des déchets. Ses « accumulations » d'objets suivant une logique quantitative qui efface leur singularité renvoient une image de profusion, en même temps qu'elles soulignent le caractère périssable des produits de la société d'abondance2.

En 1960, il utilise pour la première fois du plexiglas.

En 1961, il entame la série des « Colères » : destructions d'objets (les « Coupes » de violon, de piano, de contrebasse…) savamment recollés sur piédestal ou sur supports muraux. Dans les « Combustions » (1963), ces mêmes objets sont brûlés.

Entre 1980 et 1999, l'éventail des œuvres et des techniques s'élargit. Arman décline et multiplie les diverses procédures d'exécution. À la fin des années 1990, l'œuvre se radicalise en une succession de gestes reliés à l'objet (Accumulations en Relation, Cascades, Sandwiches Combo). Il montre un intérêt renouvelé pour la peinture (par exemple dans les séries des "Nuits étoilées" et des "émersions").

Une grande rétrospective a lieu à la Galerie nationale du Jeu de Paume de janvier à avril 1998, exposition qui réunit plus de cent œuvres (de 1959 à 1997). La rétrospective voyage ensuite jusqu'en 2001 en Allemagne, Portugal, Israël, Brésil, Mexique, Taiwan, Espagne…

En 2000, il travaille sur des fragmentations sur panneau, des fragments (dessins et sculptures). Il présente une rétrospective thématique (« La Traversée des Objets »), au château de Villeneuve, à Vence.

Ses sculptures en bronze participent d'un geste semblable : l'artiste se saisit des icônes de l'art occidental (Vénus de Milo, Hercule Farnèse, etc.), qu'il tronçonne pour ensuite les ressouder dans un désordre fouillé.

En 2002-2003, Arman renoue avec la peinture de chevalet en une série d'œuvres, « Serious Paintings », qui allient la recomposition d'instruments de musique à leur « mise en scène » en peinture.

Séries des accumulations

1959

1960

1961

1976

1977

2004

Tadashi Kawamata

Né en 1953 sur l'île d'Hokkaidō au Japon, Tadashi Kawamata est diplômé de la Hokkaido Iwamizawa Higashi High School en 1972.

En 1982, à l’âge de 28 ans, il est choisi pour participer à la Biennale de Venise et en 1987 il participe à laDocumenta de Cassel.

Dans l'intervalle il obtient un doctorat de l'université des arts de Tokyo en 1984.

Réalisant des œuvres in situ à travers le monde entier, il a participé à de nombreuses expositions internationales, il s’est notamment illustré en tant que directeur de laTriennale de Yokohama en 2005.

Professeur à l’université des arts de Tokyo d'avril 1999 à mars 2005, il enseigne depuis 2007 à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.

« Catedral de cadeiras » - 2007Tadashi Kawamata, installation, accumulation et assemblage de chaises en bois de modèles différents sous les voûtes à Reims en 2007.

"Gandamaison", installation  à Versailles

   Kawamata a travaillé avec huit étudiants-architectes pendant une dizaine de jour. Gandamaison comprend deux parties, une extérieure et une intérieure.

     La structure extérieure, aujourd'hui démontée, ressemblait de loin à un amoncellement de cageots laissées là par un marché monstrueux. D'un peu plus près, l'installation semblait couler du toit de la Maréchalerie ou y ramper comme un organisme vivant. Ce corps mutant phagocytait le bâtiment classique (1682) qui avait l'air en ruine, comme après un bombardement.  On pouvait aussi y discerner un géant affalé dont on ne voyait que les jambes. Avec cette construction, Kawamata apportait un peu de chaos aux écuries de Jules Hardouin-Mansart,intendant général des Bâtiments du Roi.

 

Partie intérieure

La structure intérieure de Gandamaison est un dôme de bois à la surface irrégulière qu'on dirait instable. Elle n'a rien d'oppressant, donnant une impression de légèreté et de fantaisie. Les cagettes, achetées à un producteur local, sont liées entre elles par des liens de plastique noir. Un courant d'air, ou une bousculade, pourrait les faire s'entrechoquer. Le bois, imprégné d'un produit chimique retardateur de feu, dégage une odeur gênante qui empêche de rester trop longtemps sous la voûte.

Gandamaison, installation  à Versailles.

Tony Cragg

Figure majeure de la sculpture contemporaine, Tony Cragg est né en 1949 à Liverpool. Après une formation scientifique et un premier emploi de technicien dans un laboratoire de chimie, il entame des études artistiques. Il devient professeur à l'École des beaux-arts de Metz en 1976 puis enseigne, dès 1978, à la Kunstakademie de Düsseldorf.

Dans les années 1980, Tony Cragg s'est inscrit dans la mouvance de la Nouvelle Sculpture anglaise. Héritier du Nouveau réalisme ou encore du néo-dadaïsme, l'artiste utilisait alors des objets de la vie quotidienne et des détritus comme matériaux de base de compositions figuratives colorées. Il s'est ensuite tourné vers le travail du bois, du verre, du bronze et de l'acier poli. Ses œuvres les plus récentes présentent des formes abstraites et organiques, accumulations de strates et de volutes.

Les œuvres de Tony Cragg ont été exposées dans le monde entier. En 1988, il a représenté le Royaume-Uni à la Biennale de Venise. En 2011, le musée du Louvre l'a invité à confronter ses sculptures à celles de Messerschmidt. Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne Métropole lui consacre actuellement une exposition (jusqu'au 5 janvier 2014). Tony Cragg est lauréat du prix Turner (1988) et du Praemium Imperial Prize (2007). Depuis 1977, il vit et travaille à Wuppertal (Allemagne) où il a ouvert, en 2008, un parc de sculptures.

   New Stones – Newtone’s Tones, 1978, plastic.

    Yellow Axe, 1981, 63 found yellow plastic objects.

Stack, 1975, wood, concrete, brick, metal, plastic, textile, cardboard and paper.

   Untitled, 1985, mixed media.